“La contemplación de la mente” — entrevista
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Alejandro Pintado es un artista mexicano conocido por su obra en pintura y escultura. Obtuvo su formación académica en Londres, Estados Unidos y México, además de haber participado como instructor en la maestría de arte en The American University en Washington D.C. Cuenta con premios internacionales, entre ellos el primer lugar en la Feria Mexicana de Arte Contemporáneo MACO y múltiples reconocimientos por parte de grandes instituciones de arte, incluyendo la fundación Pollock-Krasner de Nueva York, Skowhegan Escuela de Arte y Escultura de Maine, y el Centro Nacional de las Artes en México.
La exhibición, “La contemplación de la mente”, es una exhibición que se inaugura este viernes 14 de mayo en la Galería Hamiltonian. Y es un viaje a través de la historia, en el que se visitan los espacios donde grandes pensadores lograron sus mayores éxitos matemáticos, científicos y filosóficos. Una mezcla de tiempo, espacio, historia y colores componen esta obra de pintura y escultura.
Entrevistamos al artista en torno a la “La contemplación de la mente”.
HC- Mucha de tu obra tiene una mezcla de elementos muy fuerte, contrastes muy marcados entre colores, formas, estilos, ¿De dónde viene esto?
Mi obra tiende a los contrastes, en especial una serie que hice cuando viví en Inglaterra, hace aproximadamente seis años. El vivir fuera de México te acerca a tu cultura, ves las cosas con una óptica diferente. Es un poco lo que me sucedió, yo empecé a investigar mucho sobre México, sobre el paisaje en específico, y esta mirada nostálgica la apliqué a mi obra. Un poco por esta razón se ven estos paisajes en linos hechos con carbón, que son para mí como voltear al pasado. Una especie de miradas de nostalgia invadidas por elementos de color que como bien dices, chocan e interrumpen con ese universo nostálgico. Me interesa por varias razones, una porque genera una tensión compositiva, a nivel formal estos elementos de colores no pertenecen a ese universo monocromático de carbón; por otro lado, son elementos que interrumpen con color, en algunos casos más abstractos que otros, pero son elementos de la vida cotidiana. Hay unos que son elementos de andamios, o de cables, o por ejemplo de los mercados, cuando cierran una cuadra y la cuadra queda invadida con lonas y después de ese día la calle regresa a su estado normal. Hablar como del pasado pero viéndolo desde el presente.
HC- ¿Por qué dos artistas en una misma exposición, qué relación hay?
De alguna manera Dan Perkins y yo compartimos un interés por el paisaje y por la pintura. Además algo muy curioso, yo estuve dando clases en maestría en American University y Dan también daba clases ahí y había una coincidencia de interés personal sobre el arte.
La idea de la exposición habla del paisaje desde un aspecto histórico, pero por otro lado también habla de la geometría. Siempre hay este elemento histórico en mi trabajo, en este caso son espacios físicos donde los grandes pensadores del siglo XVIII y XIX llegaron a grandes conclusiones tanto en la ciencia como en la filosofía. Presento cómo ese pensamiento ha creado una influencia en la manera que nos dirigimos en la actualidad. Lo que ves en las obras de arte, en una de ellas podemos ver el estudio de Darwin, basado en una fotografía que encontré de su casa y pensando en este lugar de trabajo rodeado de libros, de objetos, donde la geometría tiene un lugar importante para poder dar una explicación al mundo, es un poco el pensamiento victoriano. Utilizo la geometría que invade esos espacios como elemento racional o científico asociado a las matemáticas y el cómo el pensamiento racional lleva a ciertos lugares. Estas piezas son interesantes porque se basan en geometría analítica, lo interesante es que las matemáticas, las ecuaciones se pueden interpretar en el mundo tridimensional.
HC- Las obras de arte que se van a exponer, ¿las hicieron juntos o son dos exhibiciones distintas?
La exhibición es un “two-man show”. La galería es bastante amplia y lo que hacen regularmente es hacer una sesión individual en conjunto con otro artista. A pesar de que se comparte el espacio, la obra es individual.
HC-De las piezas en la exhibición, ¿cuál es tu obra favorita?
Es una pregunta difícil. Pero una obra que en definitiva es el punto de partida es la obra del volumen geométrico que tiene los espacios oscuros, en blanco. Algo muy importante de ser luces de neón, eso será un elemento que voy a repetir en diferentes piezas y la idea es que estos elementos geométricos iluminen el espacio, que sea como una metáfora, la geometría ilumina las ideas.
HC- ¿Qué artistas te inspiran o te han marcado?
Yo trabajé mucho el área académica en Londres, trabajábamos mucho sobre la interpretación de la obra de los grandes maestros. Mucha de mi obra temprana como estudiante eran interpretaciones de artistas que me gustaban, uno de los artistas que seguí mucho fue a Francisco de Zurbarán, barroco español que trabaja el claro oscuro de una manera muy potente. También a José de Rivera del barroco español, en México hay muchas piezas de él. Ahora me vienen a la mente porque trabajan el claro oscuro de una manera muy dramática. Curiosamente, ahora de otro lado y por otros intereses, estoy retomando la idea de la luz como tema central de la obra. La obra que está en mi sitio web parte mucho de la obra de José María Velasco, paisajista mexicano.
HC- Por último, ¿Algún mensaje para la gente latina de Washington, D.C.?
Algo que te podría mencionar es que para los mexicanos en Estados Unidos este es un momento crítico por el ambiente político. Evidentemente D.C. está más en el ambiente, yo lo que les podría decir es que me siento muy contento de presentar esta exhibición, es el resultado de trabajo de varios años. A la comunidad, lo que siempre pienso es que somos unos fregones y simplemente lo tenemos que creer, tener la visión de seguir los sueños y las ganas de seguir adelante.
“La contemplación de la mente”, Hamiltonian Gallery, Alejandro Pintado + Dan Perkins. May 14, June 18, 2016.
—Brenda Huerta
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