Tinta, agua y asombro: las exploraciones artísticas de Irene Pantelis
By hola | Published | No Comments
(fotos son de cortesía del artista)
La artista local Irene Pantelis tiene un agudo sentido de la exploración impulsado por su rica experiencia cultural. Pantelis creció en distintos países latinoamericanos hasta 1986, cuando, a los 16 años, vino a vivir al Distrito de Columbia con su familia. Tras terminar el bachillerato, asistió a la Universidad de Maryland, College Park, donde se licenció en Bellas Artes, más tarde completó un máster en Bellas Artes y ahora trabaja como profesora de arte.
Desde niña, Pantelis dice que siempre ha tenido un lado artístico. Aunque su viaje la ha llevado a muchos lugares diferentes, tanto geográfica como profesionalmente, ve cómo todos ellos la han conducido de vuelta a la creación artística. Por ejemplo, conoció el realismo mágico cuando estudiaba literatura. El género literario, que también ha influido en generaciones de artistas, la afectó y la ayudó a desarrollar una perspectiva matizada.
“El arte siempre ha estado ahí,” dice Pantelis. “Estaba ahí cuando estudiaba literatura, cuando era abogada, y cuando estaba con mis hijos.”
Antes de convertirse en artista a tiempo completo, Pantelis también estudió Derecho y trabajó como abogada laboralista. A mediados de sus 30, estaba un paso más cerca de su objetivo de vida: ser artista, pero se encontró con obstáculos para dedicarse plenamente a su oficio. Se convirtió en madre a tiempo completo y ayudó a sus padres, gravemente enfermos, lo que la acercaron más a su hogar, pero Pantelis pronto descubrió que los objetos que la rodeaban no hacían más que inspirarla para incorporarlos a sus obras.
Incluso las cosas más simples y mundanas pueden interpretarse como algo abstracto, dice Pantelis, como los pastos y los objetos domésticos. A menudo muestra plantas y naturaleza, ya que se inspira mucho en los paisajes de su país natal, Bolivia. Pantelis utiliza tinta y agua para expresar sus pensamientos y representarlos en sus lienzos.
El arte de Pantelis representa sus raíces multiculturales y su íntima conexión con la naturaleza. Transforma sus imágenes cotidianas en lienzos, creando imágenes de “una tierra de ensueño”,con materiales diversos y dándole la bienvenida a accidentes. Como profesora de arte, también se esfuerza por inspirar a la gente en la esfera artística para que sigan explorando los límites entre la imaginación y la realidad.
En la siguiente entrevista, Hola Cultura habla con Pantelis sobre su experiencia de encontrarse a sí misma en su arte.
¿En dónde encuentra su inspiración?
Al estar en casa con los niños y tener una familia, empecé a encontrar más inspiración en mi vida diaria y en el barrio en el que vivo. Tener hijos también me hizo pensar mucho en mi lugar de origen. Nací en Bolivia, pero me mudé de un lugar a otro mientras crecía. Viví en Bolivia, Uruguay, Brasil y Nueva York. El hogar se convirtió en algo que exploraba y trataba de rescatar mis raíces mirando las cosas de mi casa. Así que gran parte de mi inspiración proviene de cosas que encuentro a mi alrededor o que utilizo a menudo. Mi último trabajo giraba en torno al pasto. Me inspiré en las plantas de mi jardín. Se convirtieron en pequeñas plataformas para otra cosa.
¿Cómo conoció el realismo mágico y cómo lo incorporó a su arte?
En la Universidad de Maryland estudié literatura latinoamericana. El realismo mágico fue un movimiento, estilo o forma de pensar que nació en América Latina y luego se exportó a otros lugares. Mi forma de entenderlo es que, cuando observamos la vida cotidiana, hay cosas que no podemos entender o aceptar. Creo que nuestra imaginación hace frente a cosas que son muy fantásticas [convirtiéndolas en] parte de la vida ordinaria. Entonces las cosas ordinarias pueden convertirse en fantásticas.
Al principio lo conocí leyendo novelas, y luego empecé a verlo en cuadros de artistas latinoamericanos. Siempre dibujo algo que observo y que forma parte de mi vida cotidiana. Cuanto más dibujas — por ejemplo, si dibujo la misma plantita del césped una y otra vez — más juguetón y abstracto se vuelve. Es a través de esa abstracción que introduzco mucha fantasía en la obra.
Hay una falta de color en su estilo. ¿Cuál es su relación con el color?
Tengo una relación complicada con el color. Me resulta más fácil crear texturas o encontrar una composición utilizando más el blanco y negro. Es una cosa menos en la que pensar. Luego intento volver a introducir el color. También he tenido fases en las que utilizaba colores muy vivos. Todo depende. Nos influyen un poco los paisajes con los que hemos crecido. Yo crecí mudándome, pero lo que más me afectó fue el paisaje de Bolivia, porque es precioso. Es muy montañoso y tiene un paisaje árido. Muchos de mis colores son de ese tipo ahora que trabajo más con césped e intento incorporar o adoptar verdes y otros tonos.
¿Qué técnicas utiliza para plasmar cualidades de ensueño?
Empiezo utilizando medios que no son fáciles de controlar. En lugar de un bolígrafo o un lápiz, uso tinta y mucha agua. Si pones mucha agua en un trozo de papel y luego pones la tinta, ésta hará lo suyo. Tiene su propio temperamento y hará cosas que no esperas. Utilizo muchos materiales que tienen su propio movimiento, así que respondo a ellos.
También me gustan las texturas y utilizar cera de abeja o malla metálica. Te dan muchas texturas y cosas con las que jugar. En mi trabajo siempre exploro la relación entre nosotros y la naturaleza. También me interesa combinar materiales muy naturales con otros muy sintéticos.
¿Da miedo probar nuevos materiales en los lienzos?
Me daba más miedo cuando iba a clase porque, hicieras lo que hicieras, lo hacías delante de la gente. Ahora que tengo mi propio estudio, no importa si es tonto o malo, nadie lo verá. Solo tienes que estar dispuesto a intentarlo y aceptar que, de diez cosas, quizá una funcione. Pero incluso con técnicas que conozco bien, como dibujar con tinta, a veces no tienes un día entero y ninguno de los dibujos sale bien. Hay que tener muchas agallas para ser artista.
Cuando intenta impartir estas habilidades, ¿qué les dice a sus alumnos para ayudarles a entender el mundo de la misma manera que usted?
Creo que los jóvenes tienden a querer dibujar de forma muy representativa. La abstracción y la estilización son gustos adquiridos. Me parece que los estudiantes mayores tienden a adoptarlo más que los jóvenes. Gran parte de lo que hago es mostrarles la belleza de los accidentes y no ser tan artificioso al intentar que todo quede ordenado.
Mis alumnos siempre intentan poner contornos nítidos alrededor de las cosas. Les animo a apreciar que otras formas de dibujar son igual de expresivas y bellas. A través de ese proceso, la gente empieza a abrazar más la abstracción. Pero de vez en cuando hay algún alumno al que le encanta.
Expongo [a los alumnos de mi clase] a distintos tipos de dibujo, así que hacemos dibujos muy sueltos. Les hago usar la mano izquierda en vez de la derecha y espero que se les pegue algo, que encuentren algo un poco más interesante.
¿Cómo se prepara una exposición colectiva frente a una individual?
Depende. Hay una galería que no tiene tema, así que te dejan incluir cualquier cosa. Como soy miembro, puedo decidir qué les doy. Pero hay otras exposiciones por las que tienes que competir, y normalmente tienen un tema.
Participo en una exposición en el Atkins Arboretum, en la costa este de Maryland. [El tema] era sobre las plantas de la región, así que les di dibujos inspirados en plantas locales. A veces hago la obra para el concurso, pero normalmente [ya tengo una o dos obras elegidas].
Una exposición individual gira en torno a ti. Se te ocurre una idea y necesitas un conjunto de obras que encajen bien y no sean demasiado repetitivas. Tienen que hablar entre sí. Necesitas entre 20 y 25 obras. Una vez hice una gran exposición en Florida para la que necesité 40 obras. Para las exposiciones individuales hay que pensar mucho en el concepto y el mensaje que se quiere transmitir. ¿Cómo vas a presentarlo? ¿Cuánto vas a decir?
Algunos no dicen nada. Cuelgan sus imágenes sin escribir nada ni dar explicaciones. Otros ponen un montón de escritos. Yo sugiero una visión directa de lo que estaba pensando, pero tampoco suelto mucho. Como introducción, incluyo [un poco de] lo que me inspiró.
¿Podría hablarnos del proceso de una de sus obras?
Todos los veranos iba con mi abuela al campo en Uruguay. Ese lugar es de pasto plano, así que cuando me mudé a Estados Unidos, una de las cosas que me molestaron fueron todos los céspedes de las casas de la gente. Parecían tan falsos. Luego me mudé a los suburbios y acabé teniendo un césped que ahora debo mantener.
Siempre estoy arrancando malas hierbas, así que a menudo las traigo al estudio y las dibujo. Es de ahí que empecé a dibujar pasto y plantas. Me gustaba cómo las raíces estaban interconectadas. A menudo hay diferentes tipos de césped y plantas, así que cada verano estaba en un lugar donde todo era pasto. Empecé a conectarlas y las llamé césped del norte y del sur.
Mientras trabajaba con este medio acuoso, mi atención se centró en hacer cosas que conectan y no conectan. Mezclé tinta sumi con tinta de nuez y luego con acuarela. En cierto modo se repelen y a veces se unen. Jugué con todas estas cosas, y así es como hice estos dibujos. El papel que utilizo es Yupo o vitela. Son muy parecidos porque no son absorbentes. El Yupo es más utilizado tradicionalmente por los japoneses. El papel vitela lo utilizan los arquitectos para hacer sus dibujos. Por eso se ve la tinta seca encima del papel sin que esté pegada. De eso se trataban estos dibujos.
Para saber más sobre la obra de Pantelis, visite su sitio web. Participará en dos exposiciones colectivas en Studio Gallery, en Washington, D.C., del 15 de julio al 9 de agosto y del 25 de noviembre al 20 de diciembre. Pantelis también tendrá una exposición junto a la artista Rhonda Luckey, “This Little Glade,” en Adkins Arboretum, en Ridgely, Maryland, del 4 de noviembre al 2 de enero.
Esta entrevista ha sido editada para mayor extensión y claridad.
– Historia de Elizabeth Euceda y Iris Lopez
– Corregido por Elbia Vidal y Kami Waller
Recent Stories
